演出長約1小時，不設中場休息。
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序幕
自由空間前廳 ：投影影像
《未完成之作──當靈媒作為編劇》節錄
彭弘智
人體掃描
海潮
紙雕藝術
神父
天體：回到最初
自由空間：小宇宙
自由窿間──黑洞白洞。人影幢幢
對鏡：自己對知己
千秋
「人類一直都認為天上的星星和自己是有關係的，總覺得星的存在必有意義。星，本身是一種自然現象，而人卻將它變成為『星座』來對照自己的命運，又或者當我們抬頭仰望舞台上的演出者時，也把他們比喻為我們平時抬頭仰望天空的明星？
在現在這個時空的香港舞台，叫自己做自由身舞者其實是一個諷刺：如果身體是時代和地方的印記，他是被困於劇場要不斷表演的身體，他透過演出不斷尋找自己，或美其名為尋找另一個知己，即使在過程中不斷尋找也不斷受傷……所以一個身體越來越多傷患的舞者，甚至是討厭自己身體的舞者，還可以如何舞動？
當我的舞台世界崩塌，整個劇場空間的時間重新開始旅行至未來，已經死去的身體再次被喚醒，我好像不斷在提醒自己以後要和身體與痛共存，但我仍然希望與25年前的那個自己相遇，希望這次相遇，可以解讀為療傷和痊癒。
我哋點樣可以回到最初？」
零零星星。天体落元
楊春江分別於1999及2011年演出《靈靈性性──天體樂園》系列，今次三訪這部舞蹈經典，「自由舞」特別與他進行以下對談。
問：請介紹一下你自己。
楊：大家經常形容楊春江是一個半途出家甚至自學成家的舞者和編舞人。的而且確，我與香港許多其他舞蹈人非常不同，我不是演藝學院畢業，而是在香港中文大學藝術系畢業，主要學美術，主修西洋繪畫，副修中國音樂，均與舞蹈似乎沒有太大關係，但亦因為這些養分，令我的舞蹈作品很視覺化，美術取向比較深厚，亦慢慢衍生出後期的跨媒體和多媒體製作。另一特色就是，由於我並非與一群人出身自同一個學院，所以我做很多獨舞演出，因此我的作品許多都是關於我自己同為創作、編舞和演繹的人，我會怎樣說自己的故事？如何用我自己特別的身體說？甚至常常傾向一種自戀、自虐、自我陶醉、自我毀滅等，這成為我在舞蹈圈中一種獨有路徑或手法。
問：請談一談《靈靈性性──天體樂園》這系列的由來。
楊：最初我未學舞前已經編舞和創作，亦得到很多迴響和藝評人讚賞。到了1996年，當時我已做了兩、三年作品，開始認真考慮是否需要吸收一些國際的、學院的技術訓練，於是考了一個獎學金，去了荷蘭學習編舞和工作。1999年回港時，藝術中心舉辦舞蹈節，邀我做一個獨舞演出。當時這個邀請，給我一種「楊春江終於去學編舞、接受專業訓練回來、掛牌做正式演出了」的感覺，於是我有一個野心，想展現我這個由非學院派至吸收了一些學院手段後的身體，在擁有多媒體的背景下，如何做一個同時存在許多楊春江以及許多種媒體的小劇場舞蹈。當年數碼影像開始普遍，能以低成本自己影自己，拍出很多不同的自己，於是我決定製作一個舞蹈 × 影片的作品，一個人自己拍自己編，在一個小劇場內做很多「兩個我」的互動。
由於有此低成本技術，我可以做許多剪接效果，於是我做了自己與自己的雙人舞，例如當兩種不同的音樂重疊時，影像中呈現真人比例的我與現場的我，自己與自己跳舞。當時此作引起很大迴響。除了效果出色之外，這類作品亦相對較少，也恰好符合那個時代小劇場和跨媒體舞蹈的潮流，因此被認為是1999年的跨媒體舞蹈經典作品。
問：2011年為甚麼第二次演出此作？
楊：12年後，康樂及文化事務署希望推出一個經典作品重演系列，邀我重演此作。當時我想，重演是很難的，因為12年後我的身體質素和條件、想法、編舞的創作方向等都有很多改變，於是我說不想重演，但我想重做。這個作品的有趣之處，在於1999年影像中的那個我永遠不會改變，始終是那個三十出頭、身體年輕的楊春江，然而12年後我已四十多歲，我的身體不同了，現場的我是老了。於是我用回12年前的影像，在舞台上做一個12年前後的楊春江重遇。
當時場地亦從小劇場的黑盒劇場轉到演藝學院較大的戲劇院，可容納四百多位觀眾，因此亦會改變影像的處理。12年後，影像技術有了許多新的可能，這次亦由我自己拍自己跳的做法，變成邀請不同的媒體藝術家重新運用1999年原創影像，在新的地方、以新的技術和新的舞台經驗，創作一個大型的獨舞演出。
我也發現這個作品實在有趣，我應該每12年重演一次，在第12年、24年、36年、48年時，都在一個新的舞台上重遇1999年的自己，訴說一下這段時間我身邊發生甚麼事，以至香港和劇場的事情。現在已經過了25年，四分之一世紀了，非常感謝西九文化區邀請我演繹這個作品，特別是以「重新演繹時間」作為題材，因為這個作品跟時間很有關係，每12年我都會重新在時光隧道中與原本的自己相對，然後撞擊一些新的可能。
問：2024年的第三次創作，會有甚麼不同？
楊：今次來到「自由空間大盒」這個全港最大的黑盒劇場──我們一般認為黑盒劇場是最大彈性的，然而「最大的黑盒劇場」就很有趣了。如何在一個大的劇院中，做到小劇場那種彈性的效果？既要有小劇場那種靈活，又可做到大規模的投影效果？這對我來說是個新挑戰。因此我覺得這個作品一方面在挑戰「時間」這一題材，來到一個新空間後就涉及「空間」的題材了，我認為這很適合這次舞蹈節的主題：時間和空間的重新演繹。
這次我的創作方式除了運用很多新的技術外，亦有一個新的班底，令我的作品變成一個充滿現在技術、時間和空間的全新版本。今次的團隊就是新知舊雨，舊雨是我在香港非常熟悉的優秀藝術家，與他們進行深入交流；新知就是台灣的年輕藝術家，因為我們現在已是25年後的世界，需要找些很年輕藝術家一起合作，有些甚至未滿30歲。作曲家還會做現場音樂演出，有現場音樂的舞蹈特別刺激，那種能量會很好看。團隊有新一代亦有多年合作的，有來自香港和台灣，有不同年齡層，實現了跨媒體、跨世代、跨地域和跨學科的舞蹈演出。
問：希望這個作品帶給觀眾甚麼體驗？
楊：我覺得之前的兩個版本非常集中，之前提到時間上我的身體變化、時間上的衝突，在一個小舞台和一個大舞台去表現這個主題。至於今次，我可以賣個關子——這次是沒有舞台的，因為「變異」嘛，把舞台也變走了，那麼怎做演出呢？剛才提到如何在大劇場中做小劇場的事，小劇場的有趣之處就是有很多細微的變化也很吸引，例如一個角落也是一個舞台。今次有許多空間的元素發生在半空中，所以即使沒有舞台也會發生，有許多超乎想像的舞台運用，甚至連非演出的位置也會變成演區。
整個過程中，我會覺得自己並不是在舞台上跳一支舞蹈給觀眾看，而是讓觀眾經歷不同的空間，有許多視覺上的切入點，觀眾參與的行為亦為整個演出的體驗，而非只是聽音樂和看舞台上的動作那麼簡單。因此，這部作品不僅適合只喜歡看舞的人，而是從任何藝術的切入點，不同觀眾都可找到這個劇場有趣的角落，體現新的角度。
我常常覺得舞蹈不像戲劇那般具象、以文字語言來說一件事、一個角色、一個情況的起承轉合。舞蹈比較抽象，感動面往往不是從知識或知性層面來述說事情，更像是接觸觀眾的潛意識，讓人感受到生活中某種難以言喻、但在這種氣氛下又能到達的那個心情、那種共鳴。這種潛意識的接觸就像是去看心理醫生時，讓你躺下來談談最近的事，所以不需理性地述說，而是像做夢的狀態。這次的觀眾座位，會讓觀眾看空中演出，觀眾會以半躺、半做夢的狀態來接觸我的潛意識世界。這種經歷也能回到舞蹈那種直接觸碰觀眾潛意識的共鳴方式。這種實驗或是挑戰，我相信能給觀眾帶來全新的舞蹈觀看體驗。
藝術總監及演出
畢業於香港中文大學藝術系，主修西洋繪畫丶副修中國音樂，後自習舞蹈並兩獲獎學金到荷蘭及英國修讀編舞。曾七度獲得香港「舞蹈年獎」（2000、2005、2009、2012、2013、2014、2020），兩度獲《南華早報》選為「全年五大最佳編舞」（2006、2008）及獲香港藝術發展局舞蹈「新晉藝術家年獎」（2003）等。被歐洲芭蕾舞蹈雜誌《Ballet Tanz》年刊提名為「備受注目編舞家」。2012年獲香港藝術發展局頒發「年度舞蹈藝術家獎」，讚揚他在編、演、教、策劃、評論等各方面的成就及建樹。2020至2022年，經民主選舉當選藝術發展局舞蹈組主席及藝術評論組副主席。2020年亦獲香港舞蹈年奬頒發至高榮譽「傑出成就奬」。
跨媒體編作藝術家
海潮是香港藝術家，率先將沙畫藝術引入本地，技藝享譽國際，曾參與陳奕迅音樂錄像製作，令沙畫更為人知。海潮歷年與政府部門、跨國品牌、影視出版界合作，創作木偶、繪畫、舞台演出等作品，2016年起發展沙動畫藝術，首作《紅雞蛋》入選Brooklyn電影節和洛杉磯短片國際電影節等十個國際電影節，獲「2016香港資訊及通訊科技獎：最佳數碼娛樂」電腦動畫及視覺特效銀獎；2017年憑導演沙動畫《科漠．沙離》獲2018年加拿大國際電影節動畫界別新秀獎。
跨媒體編作藝術家
集立體書故事劇場創作人、紙藝藝術家及劇場燈光設計師於一身的劉銘鏗，二十多年來創作多齣糅合立體紙藝、光影效果及劇場美學的立體書故事劇場，並於2024年憑香港話劇團作品《從金鐘到莫斯科》獲第32屆香港舞台劇獎最佳燈光設計。此外，他的紙藝作品曾於不同展覽展出，包括台灣新竹鐵道藝術村剪紙個人展「捏念」、the DOOOR藝術空間展覽「此地是朵泥」、Artspace K藝術空間「剪・紙特展」、長春社文化古蹟資源中心「香。校變奏──時光藝術展」等。
跨媒體編作藝術家
莊勝凱是台北聲音設計師、配樂兼實驗音樂表演者，以自製錄音裝置、聲音採集、聲音設計等聲響融入聲音創作，藉以探討聲音創造的過程，以及聲音的多元和可塑性。莊氏近年專注非典型空間聲響演出結合Ambisonics技術，亦探索錄音帶音樂和物件聲音，並演奏模組合成器與不同領域藝術家合作即興展演。
曾參與台北雙年展（2024）、國際愛跳舞即興節（2023）、失聲祭（2020-2024）、雲門劇場樂舞跨域工作坊（2023）以及獲選臺灣聲響實驗室與法國IRCAM工作坊及演出（2022）、台中歌劇院新藝計畫《失序邊境》（2021），並獲2024雲門基金會流浪者計畫支持。
跨媒體編作藝術家
黃偉於台北生活與創作，專門從日常生活觀察出發，將非日常的畫面帶入日常，創作影音展演、互動圖像設計，以及新媒體裝置作品，強調感知與感官體驗，專注運用電腦演算創作結合影像與聲音的演出。
黃氏曾在多個重要場合展示作品，包括失聲祭、台北白晝之夜。2021年入選台灣聲響實驗室「2020 CREATORS聲鬥陣：創作新秀進駐徵選計畫」，2023年應邀於東京TUNNEL TOKYO參與演出，2021年至2024年於FUTURE VISION LAB展出多項穹頂沉浸式作品，2024年其作品入選SAT Fest 2024媒體藝術節。黃氏曾於NAXS Future任職技術美術，負責研發遊戲引擎和3D軟件之間的交互使用，並嘗試各種跨領域合作。
監製
現為藝術策劃人及監製，以筆名「肥力」從事藝評及插畫工作。成立跨界藝術事業 FELIXISM CREATION，以策劃具創意及啟發性的節目為任，促成跨文化及地域的節目。2019年於英國倫敦金匠學院修讀創意及文化企業（劇場及表演專業）碩士課程。近年銳意開拓藝術圈與其他科技業務的連繫，創作及策劃多個體驗劇場及新媒體藝術項目，包括觀眾與表演者經歷半年連繫的《一人前、釀酒，隱遇山裡的酒神》（ 2024）；再構造劇場《郵差》系列（2024）、《女神》（2024）、 《魂端VR視像會議》VR及現場演出（2023）、《有你，故我在》（2021）、《她和他意識之流》（2018）; Paprika Studio《少年馬可宇宙漂流記》VR體驗演出（2023）;；英國Factory Irregular 虛擬體驗劇場《Together》（2019年布拉格四年展邀約演出）；媒體播放及其他演出包括《海邊探戈的網絡森林》（2021）、《未來 藝術》（2021） 等。另一方面，2021年起陳氏亦策劃一個支持香港藝術家創作新形式演出的平台「想像力研究所」（2022、, 2024）。
陳氏獲得香港藝術發展局「藝術發展獎新秀獎（藝術評論）」（2015），現為「香港小劇場獎」評審，曾獲荷蘭、澳洲、北京、台北、廣州及香港等藝術節及政府藝文單位邀請為駐節藝評人，及為機構撰寫專題研究文章。2020年獲荷蘭藝術節邀請為全球六位藝評人之一，共同撰寫有關藝術節、藝評及當代疫情的文章。
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