策劃一個舞蹈節，由去年到今年，一直摸著石頭過河而前進。究竟「自由舞」應該有甚麼使命和功能？整理下來，今年會有這五個面向：

（一）引介及推薦優秀的海外作品：讓香港觀眾能掌握國際間的舞蹈藝術風潮和關心的議題，了解不同藝術家的創作方法，拓闊視野。

（二）新作委約：聚焦於本地不同經驗和訓練背景的獨立編舞人，例如今屆委約資深編舞家為大盒度身訂造多媒體舞蹈劇場（楊春江）；委約中生代港日兩地藝團作文化交流，進行為期兩年的新作研究和發展，先於今年啟動兩地的駐留計劃和階段展演，再於明年舉行世界首演（TS Crew x contact Gonzo）；也有委約新晉編舞家實驗舞蹈與科技的階段展演（譚之卓）。

（三）研究和發展：「FIRST創作平台」是作品孵化的第一步。今年我們透過公開徵集收到很多建議書，但礙於資源所限，最後只能揀選四個單位來呈現他們的新作構想。這個平台其實不限資歷，只要是第一次發佈的創作意念即可報名，讓藝術家在一個不限形式、沒有製作壓力的前提下，希望藝術家們能集中在研究的部分。我們也藉此發掘具備潛質的作品，希望將來能夠加以支持和發展。

（四）交流和網絡：今年我們開始邀請國際策展人、製作人及機構負責人等專業人士前來欣賞各個香港藝術家的演出，讓他們了解香港藝術家的想法，並提高藝術家的能見度；另外亞洲舞蹈網絡（AND+）的新計劃「藝術家旅程」（Artist Journey），旨在支持年青的亞洲藝術家體驗或駐留不同亞洲地區的舞蹈節，與當地的藝術家、策展人或製作人交流，建立網絡，而西九作為AND+其中一員，今次首先在「自由舞」試行。以上都為日後的國際共製和跨域創作等播下種子。

（五）學習和討論：今年除了藝術家帶領的工作坊外，還邀請了香港演藝學院劇場構作課程的師生觀看節目，以此為案例討論作品的構作；公開講座亦邀請作品的劇場構作去分享實踐過程，以深化學習和討論。

今年是自由空間的五周年，順理成章，今屆「自由舞」以「時間」和「空間」為主題，看看各位舞蹈藝術家如何回應和探索這兩個與舞蹈藝術緊扣的元素。大家可以從導讀及訪問文章了解更多各個作品的時空觀。

一個時代、一個地方、一段歷史，可以如何「自由舞」? 希望大家可以繼續支持，共同想像多個未來。

鄭煥美
西九文化區高級表演藝術製作人（舞蹈）

希臘導演Dimitris Papaioannou的《請進》便展現了這樣的一個戲劇行為。原來的製作於2011年在雅典市中心的帕拉斯劇院（Pallas Theatre）內上演，鏡框式舞台佈置成方正極簡的居住空間，室內家具只有一張床和一席桌椅，開放式的浴室讓演員的活動清晰可見。居室正中央是一個偌大的露台，可見對面大廈衣物飄揚、室外雀鳥飛翔等景象隨時間不斷變遷。三十位演員在觀眾的注視下，在空間流動進出，連續六小時，動作行為時而重複時而交疊，呈現生活日常的流動風景。

在希臘上演時，演出每天從下午5時30分至晚上11時30分連續不停上演，觀眾自由進出，不設劃位。戲劇行為在觀眾入場前早已開始，引發的漣漪也在他們離開後延續發生。

在「自由舞2024」上演的《請進》是無刪剪的六小時演出錄像，將視覺藝術的概念置於劇院，將舞台轉化為展覽廳，演出成為藝術品展示，觀眾成為訪客，像觀看風景畫一樣欣賞面前的作品。室內的日常，透過露台跟室外自然的日夜變化互相映照，像視覺藝術的透視法，從水平視點對街的樓層，擴闊到社區街角及環抱四周的山脈，當室外影像換成蔚藍的天空，觀眾隨演員的視點，仿如飄到半空，時而居高臨下，時而一望無際。

整個作品沒有強烈的起承轉合，只隨演出時間開始結束。演員重複的進出，做重複的動作，嚴密編排的肢體語言，個體與群體的舞動，凝住了瞬間，也讓不同時間與空間的人相遇，相互之間雖沒有直面交集連繫，卻留下了生活痕跡，讓實體的現場空間得以延伸膨漲，打開了四道牆以及時間維度的邊界，時空再不受舞台所限；加上導演親自拍攝及剪輯的演出後台實況《幕後請進》一併展出，展示作品生成的過程及幕後行動，又創造了另一道立體風景。

至於香港編舞楊春江的《異靈異性「自由空間天體樂園」》，則將「空的空間」的立體風景往上提昇，延伸到半空，充份發揮大盒鮮被發掘的表演空間。觀眾可以自由地坐席、半躺、或臥或坐，向天仰望，彷彿觀看物象星移，尋求指引。兩旁的投映也將實體空間拉闊，像時光隧道一樣，領觀眾穿越時空，跟前作《靈靈性性天體樂園》獨舞系列展開對話。

懸在半空的鞦韆，像鐘擺一樣提示時間的流逝，彷彿現場演出一樣稍縱即逝，留下的餘韻，只有看過的觀眾能有所領略。楊春江以當下的新媒體藝術，介入廿多年前的作品，重遇時間維度裡從前的自己，延續對話。近年受傷患影響，這次重新思考脫離地板的慣性平面，在懸垂的半空重新認識自己的身體，讓時空療癒淨化自己的傷口。一次穿越時空、於大盒進行特定場域的劇場構作，再現表演時空的可能性。

在歐洲炙手可熱的奧地利編舞Florentina Holzinger也重新審視傳統芭蕾舞表演時空的可能性，發掘時間與空間在當代舞蹈的意義。舞台上年邁的芭蕾舞者以老師的姿態，引導年輕舞者學習芭蕾舞，經常語帶雙關，將古典芭蕾舞置於當代語境，陌生化了舞台上時間與空間的想像，以當代視覺叩問芭蕾舞訓練的傳統。

第一課：「如何管治你的身體」（How to govern your body），老師先年輕舞者進行一連串的動作，「推開空氣，彷彿無盡的生命。」（Push the airway, like stream of life never ends）、「我們經常尋找空間…最終我們會進入另一空間。」（We always look for a space...eventually we will be ending up in the otherspace）預示後續的越界發展。期間，她多次說很熱，令她很不舒服，舞者脫去衣服，後在舞者跟隨她的指示舞動時，她激情地表示年輕舞者們很性感（英語「hot」除了「熱」亦有「性感」之意）──對管治身體以取悅他者的目光提出質問。她又指舞者經常躲在排練杆後（behind the barres），讀音也令人聯想起當代語境的「被關在監獄」（behind the bars）。

演出下半場由浪漫芭蕾的傳統故事展開，森林開放給各樣飄浮的精靈現身，連場意想不到的場景，除打破第四道牆的觀演關係，更多空間內高低起伏甚至暴力的場景，令單一的森林神墮入愛河的浪漫故事無限延伸，除刺激觀眾感觀及想像，也直面芭蕾童話的殘酷現實，「如果她可以跳死亡之舞，她可以成為一隻鳥。」（If she can dance the dance of death, she will be a bird.）Holzinger這部作品，顯示了新一代編舞重新叩問的膽識。

泰國新晉編舞Kornkarn Rungsawang在《舞求必應》裡，也重新反思關係藝術作品的意義：「有時往往無法分清楚『誰』是『觀眾』、『誰』又是『創作者』。將著眼點擺在社會文化的脈絡，甚至是人與人關係的聯結，這些都是創作者創作過程中所使用的非物質性『媒材』，追求日常性和藝術表現之間的關係。」 ²

在新加坡演出的宣傳錄像裡，Rungsawang指她需要精神支柱來堅持（I need the spiritual anchor to hold on to），泰國傳統的求神儀式Ram kea bon成為她這個作品的靈感與精神支柱。舞者作為凡人與神明的中介，也作為實體空間與虛擬空間的橋樑。實體的宗教建築一直是信眾聚集、進行宗教儀式的場所，群體的臨在具有鞏固信仰、集體參與，以及精神安慰的作用，參拜的對象一般以物像、雕塑或畫作展現。《舞求必應》重新建築了祭祀求神儀式的空間，讓觀眾及祭品在虛擬空間裡再遇，一同晃動搖鈴，共同參與求神的儀式。

除了打破實體與虛擬空間，不難想像，身處世界各地的觀眾將來也有機會進入數碼神域共同參拜祈求。共時性與共感不再受地域所限。

舞蹈肢體語言是傳統的祭祀儀式，祈求的內容又跟當下生活密不可分，以觀眾共知的非物質性媒材──傳統的祭祀儀式作為社會脈絡，構成了一部參與式的關係藝術作品。觀者見證其他觀眾一同進入神域虛擬空間，時間在數碼神域的維度再不受限制，日出日落，先後次序都消弭掉，留下觀者一個個願望獻祭。

四個不同維度的舞蹈作品，重新在觀者的注視下，劃過「空的空間」，對戲劇行為、舞蹈語言、時間維度、空間塑造，重新再發掘、再思考、再挑戰，讓我們可以向未來回覆說：別迎我而來，我要向你而去。

¹ 《空的空間》，彼得．布魯克著。

² 董維琇，〈當代藝術去神殿化── - 從關係美學談當代藝術的觀眾參與及對話〉，《藝術認證》第67期，2016年，第48頁。